TAQUILLAZOS DE VERANO: "TRANSFORMERS EL LADO OSCURO DE LA LUNA"

Empieza el verano con los estrenos más potentes del año, en lo que a películas de acción ,consumibles por las masas, se refiere.

Como no, este año Transformers rompe un record como la película más taquillera estrenada en periodo vacacional.
Con esta película también observamos una nueva corriente a la hora de titular películas, se abandona el acompañar a las franquicias con el número, en este caso el 3, y se completa el título con palabras que acompañen a la historia. Lo que da imagen de diferencia y llama a más expectadores.
La película nos propone más de lo mismo en lo que argumento se refiere, acción a raudales con chistes breves y muy pocos diálogos. Megan Fox abandona la saga por discrepancias con el productor, y una nueva actriz desembarca en Hollywood para romper los corazones de los adolescentes, la actriz Rosie Huntington-Whiteley.

Pero si algo tiene a su favor esta película es la calidad técnica que Michael Bay, director especialista en películas de acción, le imprime a sus películas. Claro está, toda la producción orquestada por Steven Spielberg un verdadero mago en innovar en la industria cinematográfica.

Por norma general, se suele pensar que este tipo de películas sólo sirven como mero entretenimiento. Pero para la industria cinematográfica supone una fuerte inversión en I+D, pues los departamentos de efectos y post producción, desarrollan verdaderas maravillas para que podamos disfrutar de la película sin que los Cromas (Croma Key) canten, lo que es lo mismo, que la imagen parezca real y no generada por ordenador. Estas técnicas se emplean cada vez en más películas y series y para nada se corresponden siempre con géneros que impliquen la acción o la ciencia ficción. Para muestra os ofrezco este enlace, que aunque no tiene que ver con la empresa que trabaja en esta película nos sirve de ejemplo:

"http://

Boardwalk Empire - Visual Effects from Mehmet Akif KARAMAN on Vimeo.

"

Recomendación para esta noche

Andamos un poco vagos en precuela últimamente o eso parece a tenor de las escasas entradas que publicamos pero en realidad todo es producto de las circunstancias personales así que espero que sepáis disculparnos.
No obstante, hoy no podíamos dejar pasar la oportunidad de recomendar una grandísima película de nuestro cine que se emite esta noche en la 2 a partir de las 22h. Por fin, en el contenedor "Cine clásico" incluyen un film rodado aquí... y excelente. Hablamos de "El pisito" dirigida por Marco Ferreri y estrenada en 1959. Esta agria visión de aquella España rancia está basada en una novela de Rafael Azcona pero tuvo que ser un italiano el que nos trajo el neorrealismo aunque fuera con toques de humor muy patrios.
Los personajes encarnados por Mary Carrillo (Petrita) y José Luis López Vázquez (Rodolfo) llevan doce años de noviazgo pero no pueden casarse porque no tienen pisito en el que vivir. Desesperada por la situación a la que no ve una salida cercana a Petrita se le ocurre una idea rocambolesca, que su novio se case con su vieja casera para que cuando ésta muere (algo que parece inminente) pueda heredar su pisito...
No sigo, disfrutad de esta tragicomedia.

No tengas miedo

Digamos de entrada que elegir un tema como el de los abusos infantiles para una película ya implica una valentía que Montxo Armendáriz ha demostrado en otras ocasiones. No es fácil abordar un argumento en el que se incluya algo tan dramático y aborrecible, la sensibilidad al tratarlo ha de ser exquisita. En este caso el director parece que ha pecado de precavido porque "No tengas miedo" se queda a medias, no consigue que el espectador empatice con una protagonista (Michelle Jenner) que no se enfrenta a su trauma y que cuando lo hace es para huir hasta de los amigos que la han apoyado siempre. La idea de hacer del padre (Lluís Homar) un hombre encantador es inteligente porque eso nos hace caer en la cuenta de que ningún pederasta lleva escrita en la frente su enfermedad pero la tibieza con la que se aborda la relación paterno-filial no consigue indignarnos que es lo que debe hacer el cine social, provocar movimiento interno en el espectador.
A veces se remueve algo más que la conciencia y el hedor que desprenden ciertas imágenes nos lleva casi a la náusea. Ese es el caso de "Mysterious Skin" de Gregg Araki, un film protagonizado por un excepcional Joseph Gordon-Levitt que sin mostrar nada directamente consigue que nos sintamos sucios sólo con ser testigos de los abusos de un profesor de gimnasia a algunos alumnos. Aquí sí que podemos comprobar cómo les ha traumatizado hasta el punto de crear una realidad paralela, aquí sí que odiamos desde el principio al abusador, aquí sí que sentimos la necesidad de ayudar a los afectados, aquí, en definitiva, el celuloide traspasa la pantalla y se mete en nuestras conciencias.

MACÍAS

Crebinsky

Los hermanos Crebinsky son huérfanos, se han criado solos en una Galicia que les ofrece muchas posibilidades que ellos aprovechan con no poco ingenio. Apenas tienen comunicación con el resto y viven de las "crebas", los restos que el mar deja en la orilla. Aparentemente son felices en la España de la Segunda Guerra Mundial con submarinos americanos investigando la costa en busca de nazis. A ellos eso les da igual pero que su vaca se escape, no, y a partir de ahí comienza una "road-movie" que les lleva a toparse de bruces con su pasado.
"Crebinsky" es el primer trabajo cinematográfico de Enrique Otero, un profesional curtido en la televisión, que acariciaba el proyecto de revisar un corto con estos mismos personajes ampliando su espectro y convirtiendo la anécdota en historia. Repite en el mismo papel Miguel de Lira (involucrándose también en el guión y la producción) y se incorpora Sergio Zearreta (cantante de "Lamatumba") en el rol de su hermano. La originalidad de esta propuesta la ha convertido en la película española más vista en Galicia el fin de semana de su estreno. Entronca perfectamente con ese realismo mágico a la gallega y es la mejor adaptación de un cuento de Cunqueiro... sin basarse en un cuento de Cunqueiro.
Verla fuera de esta comunidad autónoma es casi una aventura pero si encontráis alguna sala que la exhiba dejaros llevar por esta historia de ritmo pausado y bellas imágenes. Contagiáos del ritmo Crebinsky.

MACÍAS

"CITY OF SCARS"

Quiero aprovechar esta entrada para presentaros un cortometraje escrito y dirigido por Aaron Schoenke.

El trabajo está realizado en HD y se llevó a cabo en 21 días con un presupuesto de $ 27.000. Se trata de un "Fan Art", título bajo el que se engloba toda una serie de trabajos colgados en la red relacionados con los comics.

La historia que se nos cuenta comienza con el "Joker" escapando de Arkhan, a partir de ahí, Batman intentará por todos sus medios detenerlo y enviarlo de nuevo a prisión.

Es difícil encontrar cortometrajes dirigidos al gran público de una cierta calidad, por eso desde aquí recomiendo otro corto del mismo director titulado "The Face of Purgatory".

PAN.

CITY OF SCARS por Batinthesun

INVASIÓN A LA TIERRA: BATALLA LOS ÁNGELES

Es una pena que las películas bélicas no pasen de moda, no lo digo por la calidad de las mismas, me refiero a la actualidad de la que gozan. Da igual hacia donde miremos, siempre hay una guerra.

La premisa de la película es la siguiente: un día se produce una invasión alienigena en la tierra y la humanidad corre peligro de desaparecer en pocas horas. Todos los ejercitos de la tierra luchan de manera coordinada para defender los pocos núcleos de población que aún no han sido conquistados.

Un punto a favor de esta película es que la historia se centra en la batalla, no vemos el desarrollo personal de los personajes, sólo conocemos "el hecho" del que son protagonistas y como influye en ellos. Es un combate feroz entre dos bandos (los ejércitos de la tierra vs. el ejercito alienígena). En esta película no se da opción al diálogo entre especies, la invasión ocurre de manera violenta y coordinada. Nuestros protagonistas, resaltando a Aaron Eckhart y Michelle Rodriguez, quedan atrapados en una batalla a vida o muerte un día cualquiera, en medio de su rutina diaria.

Este tipo de películas son una oportunidad para actores de "poco caché", que no significa que sean malos actores, pues el presupuesto se destina casi en su totalidad a los efectos visuales, por lo que deciden contar con actores que den credibilidad a los personajes pues el tirón publicitario se va a basar en las imágenes de la producción. Lo interesante del film es que aunque se pelea contra extraterrestres se dota a la película de realismo bélico. Los dos bandos tienen las mismas armas y las mismas posibilidades para ganar la batalla.

La película es del realizador sudafricano Jonathan Liebesman, conocido por ser el director del remake de "La matanza de Texas", y que aquí nos sorprende con una película bélica muy bien realizada. Con una cierta similitud con "Black Hawk Down" de Ridley Scott.

Recomendable para amantes del género.

PAN

Adiós a Farley Granger

Todavía no nos hemos recuperado de la muerte de Elizabeth Taylor y ya tenemos que despedir a otro actor, Farley Granger. Es evidente que su carrera no es tan espectacular como la de la Taylor y, posiblemente, nunca fue una estrella de primera categoría pero en las ocasiones en las que brilló fueron tan satisfactorias para el espectador que merece un recuerdo de lo más cariñoso por parte de cualquier cinéfilo de pro. Su papel más celebrado fue el de "Extraños en un tren", quizás su primer y único éxito de taquilla, un triunfo del que su compañero de reparto Robert Walker no pudo disfrutar porque falleció antes del estreno por un cóctel de alcohol y barbituricos.
Pero antes de aquel taquillazo de 1951 ya habíamos visto a Farley en otro gran film de Hitchcock, una joyita casi experimental que no destacó en su momento pero que hoy es de culto por el subtexto homosexual (increíble que pasara la censura en 1948) y la planificación de la puesta en escena para poder rodar secuencias de diez minutos con una sóla cámara. El tiempo no era casual, es lo que duraba un rollo de película Technicolor.

Granger no tuvo mucha suerte en el cine a pesar de tan prometedores encuentros con un grande como don Alfred aunque supo elegir un proyecto arriesgado en Italia como "Senzo" (1954) de Luchino Viscontti y no fue el único riesgo que tomó en su vida profesional. Viendo que su carrera cinematográfica estaba estancada decidió cancelar su contrato con Samuel Goldwyn para mudarse a Nueva York y triunfar en Broadway. Tampoco tuvo reparos en pisar muchos platós televisivos para probar papeles distintos.
Nunca tuvo problemas en asumir su bisexualidad y es que según contaba en su libro de memorias "Include me Out" (escrito al alimón con su compañero sentimental Robert Calhoun) se inició sexualmente con ambos sexos la misma noche durante su período naval en Honolulu, primero con una chica de un club y después con un oficial de paso. Esa anécdota hizo que se lo tomara con toda naturalidad, algo que no pudieron hacer algunos de sus compañeros de Hollywood.
Farley Granger merece que sus actuaciones se revisen para que el espectador descubra lo moderno de su técnica actoral, no hay amaneramientos ni sobreactuaciones en su trabajo, dadle una oportunidad a sus dos largometrajes con el genio del suspense y después hablamos.

MACÍAS

"SUCKER PUNCH"

La pasada semana se estrenó en las salas de cine la nueva película del director Zack Snyder. El film tiene la apariencia de una película de acción adolescente con mucha acción sin sentido, pero en su interior, guarda una historia original escrita por el director norteamericano.

Ahora mismo me viene a la cabeza la película con la que descubrí a este realizador; "El amanecer de los muertos". Una película que revitalizaba un género, el de zombies, maltrecho por aquel año 2004. Gracias a comprar el DVD original pude disfrutar de todo el material preparado para la ocasión, con lo que descubrí a un director joven con ganas de hacer bien las cosas.Después llegarían nuevos proyectos como "300", la película con la que saltó a la fama y "The Watchmen" el film que lo consagró como director de fama internacional.

La historia que tratamos hoy comienza con el ingreso de una adolescente en un manicomio, acusada del homicidio de su hermana. Allí dentro, con la ayuda de su imaginación intentará salvar la situación y huir del centro.

A diferencia de "300" en esta película la imagen se centra en mujeres. Las actrices de la película que sin duda darán que hablar en los próximos años, son: Emily Browning, Abbie Cornish, Jena Malone, Vanessa Hudgens y Jaime Chung. Aunque, vestidas de colegialas son mujeres de armas tomar. Esta película marca un punto de inflexión en lo que se refiere a la capacidad de las actrices para adaptarse a movimientos de acción de manera natural y en la capacidad de los directores para crear personajes creíbles en películas de acción independientemente del sexo. En esta película las chicas se enfrentan, en un mundo de fantasía, a batallas con movimientos violentos y al uso de armas de fuego resultando realistas y sin perder su feminidad.

PAN

Adiós a Elizabeth Taylor

Hemos tardado en escribir esta entrada porque nos negábamos a aceptar públicamente que había fallecido uno de los grandes mitos de Hollywood y no se trata precisamente de uno menor, de un secundario en aquella luminaria de la Metro, ni siquiera uno de los más longevos, ahí están Olivia de Havilland y su hermana Joan Fontaine o Kirk Douglas... No, Elizabeth Taylor tenía 79 años, no demasiados si nos fijamos en la esperanza de vida actual. Quizás algunos pensaran que era mayor por que habíamos crecido con ella. Desde aquella primera película de Lassie ("La cadena invisible") o aquella otra con Mickey Rooney y un bello ejemplar equino, "National Velvet", donde tuvo un accidente que dañaría su espalda de por vida, dolores que se fueron acrecentando con el tiempo y que contribuyeron a esa mala salud que minaba sus fuerzas desde bien joven.
De los ingenuos papeles en "Mujercitas" o "El padre de la novia" le costó desprenderse, fue con "Un lugar en el sol" cuando consiguió iniciar una nueva etapa en su carrera y en su propia vida personal porque allí conoció a Montgomery Clift, un amor reconvertido en amistad por razones obvias. Cinco años más tarde protagonizó "Gigante" junto a James Dean y Rock Hudson, dos ídolos de jovencitas con doble vida que se odiaban mutuamente y entre los que intentaba instaurar la paz Liz sin éxito. En 1957 llegó aquel intento de revivir "Lo que el viento se llevó", "El árbol de la vida" que la unió de nuevo a su adorado Monty. El film no tuvo la taquilla deseada pero ella fue nominada a los Oscar por primera vez y eso suponía que la industria empezaba a aceptarla como una actriz y no como una belleza de ojos de color indefinible (¿violetas? quizás...).
Los dos años siguientes la relacionaron indefectiblemente y por siempre a Tenessee Williams con "La gata sobre el tejado de zinc" y "De repente el último verano" (una vez más Monty a su vera). Nominaciones a los Oscar y a los BAFTA además de un Globo de Oro. 1960, "La mujer marcada", papel de una prostituta de lujo que le otorga su primer premio de la Academia. Ya era oficial, la Taylor es actriz.

En 1963 interpreta a Cleopatra, un papel que no quería pero que se vió obligada a aceptar cuando la 20th aceptó su exigencia de un millón de dolares, algo que había soltado simplemente para que la dejaran en paz. En su día fue un fracaso aunque hoy, con el remontaje, podemos percibir una grandísima obra y, al menos, sirvió para que conociera a Richard Burton e iniciaran aquella relación amor-odio que duraría toda su vida. Sobre sus matrimonios hemos oído de todo, viuda joven de un productor de éxito, robo del marido de su mejor amiga (Debbie Reynolds), matrimonio breve con un carpintero... pero siempre estaba Burton, el hombre de la voz profunda.
Tras el fracaso de "Cleopatra" intentó reforzar su fama de intérprete de calidad aceptando roles muy arriesgados. Con "¿Quién teme a Virginia Wolf?" llegó su segundo Oscar pero también una importante crisis con Richard.
Los 70 la vieron deambular por películas como "El pájaro azul" y los 80 por series como "Norte y Sur". Se despidió del cine con "Los Picapiedra" (1994) y de la televisión con "These Old Broads" (2001) dirigida por Carrie Fisher (Leia en "Star Wars), hija de Debbie Reynolds que también aparecía en la cinta.

Elizabeth Taylor estaba prácticamente desaparecida de la vida pública. Llevaba un par de meses ingresada y no por esperada su muerte ha sido menos sorprendente. Esperábamos que se recuperara, una vez más, de sus achaques para saber que el Hollywood dorado seguía ahí, representado en una auténtica diva indomable.

MACÍAS

UNA BUENA REVITALIZACIÓN DE LAS PELÍCULAS DE EXORCISMOS, "EL RITO"

La primera vez que vi el trailer de esta película pensé en lo mal que habían envejecido las películas sobre exorcismos.

De pequeño ver "El Exorcista" en televisión aseguraba un buen rato de terror frente a la pantalla y después un par de noches de pesadillas, con los años ese terror se fue convirtiendo en una risa floja cercana a la carcajada.

En los últimos años se ha intentado modernizar este tipo de películas de una manera muy poco convincente y sin crear para nada el ambiente terrorífico que transmitían las primeras producciones con esta temática.

Antes de enfrentarse a la película que hoy tratamos "El Rito", debo advertir que el "inspirado en hechos reales ", a estas alturas, no es para nada buena publicidad. Pero alejándonos un poco de los prejuicios, puedo decir que esta película me sorprendió.

Cabe destacar que una película que apuesta por Anthony Hopkins como secundario tiene todas las papeletas para ser un producto "visible", en segundo lugar el actor protagonista Colin O´Donaghue un rostro desconocido aporta cierto toque de realismo y por último actores con mucho bagaje como Ciarán Hinds, Rutger Hauer y Toby Jones ensamblan una buena factura.

De sobra es conocida la historia que nos propone el film, pero el director Mikael Hafstrom nos muestra una perspectiva distinta al apoyarse más en la historia de los personajes y dejando de lado los efectos especiales en el acto del exorcismo en sí mismo.

Como adelanto en el título, me parece una buena actualización del género (si lo podemos llamar así), porque crea una atmósfera de suspense y terror psicológico que mantiene la tensión todo el metraje.

PAN

El ilusionista. La suave cadencia de Sylvain Chomain.

La que fuera directora de "Les Triplettes de Belleville" y de aquel delicioso corto incluído en el film comunitario "Paris, je t'aime" nos ofrece ahora una película sobre la decadencia de un mago. Basada en un guión del genio del humor Jacques Tati, olvidado durante medio siglo, adaptado por la propia directora y reconvertido en una historia amarga, con leves toques de humor que de vez en cuando nos invitan a la sonrisa y siempre a la reflexión.
El personaje principal asume el físico del mismísimo Tati lo que supone un gran acierto para el espectador francés que, al fin y al cabo, es el público potencial de esta cinta.

Este mago de tres al cuarto que deambula por teatrillos de music hall ante el desinterés del escaso público de la platea intenta sobrevivir en el París de 1959. En realidad sólo los primeros minutos del metraje transcurren en Francia; en busca de nuevos contratos se traslada a Londres, de allí a un pequeño pueblo escocés y finalmente a Edimburgo a donde le sigue una jovencita que queda fascinada por sus trucos en la posada escocesa. El ilusionista no quiere que la niña pierda su ilusión o tal vez es que no se resigna a perder a su única espectadora.

Esta relación se convierte en un problema para este cincuentón sin recursos económicos que, de repente, se encuentra con una hija que no hace más que pedir, pensando que todo se consigue con un chasquido de dedos.
La Chomain no decepciona a sus seguidores, la languidez de la historia posiblemente espante a un público no acostumbrado a este ritmo pero todos quedarán fascinados por la riqueza estética. Diseño de personajes impecable, fondos a la acuarela, movimientos fluídos... Una golosina visual que merece la pena ver aunque sea difícil de encontrar en nuestro país.
MACÍAS

David Martín-Porras, la gran aventura americana

-

Por su nombre quizás todavía no es conocido, escribo "todavía" muy conscientemente porque este joven salmantino está en pleno montaje de su primer largo, "Stealing Summers" protagonizado por Sophie Auster y James Jagger. Producción norteamericana rodada en Buenos Aires donde ha conseguido que la prensa porteña hable constantemente de la filmación aprovechando el tirón de dos actores hijos de famosos (Sophie del escritor Paul Auster y James del Rolling Stone Mick Jagger).
¿Cómo ha conseguido David acceder al mercado cinematográfico de EEUU? ¿Cómo es posible haber demostrado su talento previamente como para que una productora confíe en él y le encargue una película? ¿Cómo se adapta un director de cortos con una personalidad muy definida a un encargo?

-

-Ahora estás en pleno montaje, ¿eres consciente de lo distinto que está resultando todo con respecto al primer guión o estás tan metido en el proceso que no has podido pensar en ello?

Es en la edición cuando realmente te das cuenta del tipo de película que estás haciendo. La escritura del guión y el rodaje son procesos en los que no te queda más remedio que fiarte de tu instinto y experiencia previa, pero en la edición es cuando la película se te rebela. Descubres cosas de ella que antes ni habías imaginado y tienes que escucharla para sacarle el mejor partido al material que tienes. En el caso de STEALING SUMMERS, hemos hecho una buena reescritura del guión en el montaje y estoy muy contento con el resultado.

-¿Qué es lo que se ha perdido en ese camino y qué es lo que has ganado?

No siento que hayamos perdido mucho, sin embargo sí que hemos ganado una barbaridad. Para ello, tuve que entrar en la sala de edición con una mente muy abierta, dispuesto a hacer cambios radicales en la historia. El montje ha sido crucial para que la película funcionara. Como todo film sobre un robo, ahora está lleno de suspense y tensión entre los personajes.

-Es un poco pronto quizás, pero ¿lo que estás viendo estos días se parece a lo que querías lograr?

Esta película ha sido un proceso de descubrimiento constante. No tenía una idea predeterminada. Cuando leí el guión, me costaba mucho imaginarme algunas escenas porque Buenos Aires está muy presente en toda la historia y nunca había estado allí. Así que me fui varias semanas antes que el resto del equipo a Argentina para explorar la ciudad y ver como cómo la historia iba cobrando vida.

- Si echamos la vista atrás en tus cortometrajes te ha gustado tocar temas muy intensos, la muerte, el SIDA, las relaciones familiares o de pareja… ¿En tu primer largo vamos a encontrarnos de nuevo con ese tipo de emociones o es un trabajo que va en un dirección completamente nueva?

Aunque yo no escribí el guión, conecté inmediatamente con la historia porque me permitía explorar el triángulo amoroso que se crea entre los protagonistas, dos mejores amigos de la universidad, y la chica que les propone cometer el robo. El marco de una ciudad como Buenos Aires, tan llena de vida y sensualidad, me animó a llevar estas relaciones hasta límites extremos.

-Desde que te trasladaste a EEUU se ha demostrado que eres un hombre con una gran capacidad de convicción, conseguir a una actriz ganadora de dos Tony para protagonizar tu primer corto allí merece una explicación, ¿cómo la convenciste?

Sabía que necesitaba una buena actriz de teatro para ese corto porque quería rodar todo el monólogo de la cocina en en un plano secuencia. Por aquel entonces, Cherry Jones estaba interpretando la obra de teatro DOUBT en Los Angeles (adaptada más tarde al cine con Meryl Streep en el papel que hacía Cherry), así que me fui a ver una función y la esperé a la salida del teatro con el guión bajo el brazo. Al principio se negó alegando que estaba muy ocupada, pero acabé convenciéndola para que se lo leyera.

Pasaron los días y di por sentado que no iba a querer hacerlo. Incluso empecé a hacer castings a otras actrices. Pero al cabo de dos semanas me envió un mensaje de texto: “David, cuándo rodamos? ;)”.

- - En el caso de The Breakfast nos encontramos una realización sobria al servicio de una puesta en escena nerviosa, la de la protagonista preparando el desayuno a su madre. Confiaste en tu actriz al máximo, ¿cómo fue ese trabajo previo con ella?

Fue todo un regalo poder trabajar con Cherry. Cuando cuentas con una gran actriz en tu reparto, lo mejor que puedes hacer es dejar que haga un buen trabajo y no estropearlo. Para preparar el papel, ni ensayamos, ni hicimos una lectura de guión en voz alta. Quedamos para tomar un café y hablamos de personas cercanas que se nos habían muerto y del momento en que nos comunicaron su defunción. Esa conversación fue crucial, porque en la forma en que Cherry prepara el desayuno se percibe que algo terrible va a pasar. Es como cuando hueles a la muerte acercarse. Cuando llegamos al set, tan sólo le dije las marcas por las que se tenía que mover y la primera toma salió perfecta. Hicimos otra por seguridad, pero no la utilicé.

- En tus cortos da la impresión de que cuidas al máximo la dirección de actores y, poco a poco, has conseguido unir eso a una realización mucho más elaborada, ¿al principio te centrabas más en buscar la intensidad de la interpretación?

Yo creo que se debe a mi años en la Pompeu Fabra de Barcelona, donde nos educaban en un cine que explora la sencillez de la mirada con mucho énfasis en el documental. En mis cortos de esa época, los planos son largos y estáticos. Tuvieron que pasar dos años en UCLA para que le perdiera miedo a mover la cámara, sin caer en artificios deshonestos. Por muy bello que sea un travelling, a veces puede ser inmoral.

- En Portrait of a couple nos encontramos con una evolución bestial en la realización. Todo está dominado por una elegancia formal muy clásica, con travellings realmente elegantes pero también te atreves con un primer plano contrapicado muy extremo…En ese trabajo el tema principal es el SIDA y cómo afecta al protagonista, un tema que se repite en Ida y vuelta un año más tarde. ¿Por qué repetir tema en el siguiente corto?

Comentando el estilo de PORTRAIT OF A COUPLE, he de confesar que me marcó de forma decisiva la película de Fassbinder LAS AMARGAS LÁGRIMAS DE PETRA VON KANT. Muchos de los encuadres y paneos de mi corto están profundamente inspirados por aquel film.

Respecto a la temática, se debe a la elevada presencia de este virus en Los Angeles. Empecé a hacer muy buenos amigos en esta ciudad que eran portadores y me fascinaron sus historias de lucha y supervivencia. Eran muy poderosas y necesitaba contarlas. Lo más fascinante de una enfermedad como el SIDA es que es muy silenciosa y “muy democrática”, en el sentido de que afecta a todos los estratos de la sociedad. La persona que menos te lo imaginas es portadora.

- En The Widow una madre descubre con horror una posible relación homosexual de su hijo, sin querer destripar nada, lo más interesante es que parece haber una triple preocupación de esa mujer: la condición sexual de su hijo, el supuesto amante y los celos pero no sabemos qué es lo que le duele más, ¡casi parece un drama de Douglas Sirk! ¿te remites a los clásicos o tus influencias son mucho más modernas?

Una vez un profesor de UCLA nos dijo: “Si quereis copiar a Tarantino, iros al original y copiad a Godard. Teneis más probabilidades de que os salga mejor y que nadie se entere de la copia.” Admiro a muchos directores contemporáneos, pero prefiero ir a las fuentes de las que beben para desarrollar mi propia visión. El 70% de las películas que veo al mes son anteriores a 1980. Para preparar LA VIUDA me vi varias veces VIRIDIANA de Buñuel e IMITATION OF LIFE de Douglas Sirk. Aunque la verdad es que, todo lo que ves (hasta los vídeos porno), te influye de forma inconsciente en tu puesta en escena.

- Salmantino, estudiante de Periodismo, becado en EEUU, ¿qué es lo más duro de estar cumpliendo tu sueño? ¿qué estás dejando atrás?

La comida española, la vida en las calles, las costumbres familiares, la cercanía física, los largos puentes, un ritmo más tranquilo, mis padres, mis amigos.... España. La echo mucho de menos. Pero estoy muy contento de tener la oportunidad de estar aquí y sé que volveré pronto.

- Si pudieras elegir dónde dirigir tu carrera, ¿qué temas vamos a encontrar en tus futuras películas? ¿cuáles son tus pretensiones?

Estoy abierto a cualquier tema. Lo único que necesito es que sea una buena historia.

MACÍAS